10 datos interesantes sobre Amedeo Modigliani

Amedeo Modigliani, personificación del artista trágico, abandonó su educación burguesa italiana y abrazó la vida de vagabundo en la Escuela de París.

Amedeo Modigliani vivió en una época en la que los movimientos artísticos estaban cambiando el panorama creativo y la guerra estaba dando forma a Europa y sus estructuras sociales. Se inspiró en la vida en los barrios artísticos de París, sus artistas de vanguardia como Picasso, Henri Toulouse-Lautrec y Henri Matisse, así como poetas como Zborowski y Jean Cocteau.

Inmerso en la vida bohemia de París, desarrolló un comportamiento vagabundo escandaloso y una creciente adicción al alcohol y las drogas. El daño resultante a su ya deteriorada salud fue un precio mortal que finalmente pagó. Sin embargo, legó al mundo una vasta obra, que incluye obras que han sido calificadas de escandalosas, icónicas y magníficas.

1. Modigliani vivió una vida corta y turbulenta.

Amedeo Clemente Modigliani nació el 12 de julio de 1884 en Livorno, Italia. Su familia era una familia rica, burguesa y bien educada de judíos sefardíes (originarios de España y Portugal). Ella alentó sus ambiciones y lo inició en los viajes, la literatura y las artes.

Sin embargo, la infancia de Modigliani estuvo plagada de problemas de salud. A los 11 años desarrolló pleuresía y un año después contrajo fiebre tifoidea. A los 16 años volvió a sufrir pleuresía y luego contrajo tuberculosis, que finalmente le provocó la muerte. Mientras estaba enfermo y deliraba a causa de la fiebre tifoidea, le rogó a su madre que lo llevara a Florencia para ver las pinturas de los Uffizi y el Palacio Pitti.

Su madre finalmente lo llevó con ellos y, lo más importante, lo inscribió en clases con el maestro de pintura Guglielmo Micheli. Allí estudió arte italiano del siglo XIX, naturaleza muerta, retratos y desnudos durante dos años (1898-1900). Su formación terminó con la aparición de la tuberculosis.

2. Conoce a artistas influyentes en París

En 1906, a la edad de 21 años, deseoso de desarrollar su carrera como artista, Modigliani abandonó Italia para trasladarse a París. Allí, en la zona de Montmartre, conoció a muchos artistas de vanguardia y a su futuro mecenas Paul Alexandre en Le Bateau Lavoir. Conoció a destacados artistas como Pablo Picasso, Henri de Toulouse-Lautrec y trabajó con el artista Moise Kisling.

Su respuesta a la inmersión en el vibrante crisol artístico de París fue un gran conjunto de pinturas, dibujos y esculturas. Aunque Modigliani se vio a sí mismo como un escultor al principio de su carrera artística, durante el último siglo se ha vuelto más conocido como pintor de retratos y desnudos.

En 1908, Modigliani expuso en el Salon des Indépendants, una exposición de arte colectiva independiente anual en París.

Italiano, judío, playboy, pintor y escultor, Modigliani llevó una vida dura y de extrema pobreza. Vendió sus creaciones por unos centavos para comprar comida y alcohol. Sus condiciones de vida eran duras y a menudo enfermaba debido a la adicción a malos hábitos, que agravaban las debilidades heredadas de sus enfermedades infantiles.

3. Modigliani inicia un concurso de escultura de cinco años

Tres años después de la llegada de Modigliani a París, su mecenas y amigo, el Dr. Paul Alexandre, le presentó al escultor Constantin Brancusi. Brancusi parece haber inspirado a Modigliani a dedicarse a la escultura y dibujos relacionados durante los siguientes cinco años. Aquí se familiarizó con las tallas y máscaras de las tribus africanas, así como con sus estilos de formas simplificadas. Estas primeras influencias multiculturales incluyeron africanas, egipcias, griegas y jemeres.

Entre 1909 y 1914 Modigliani acumuló una importante colección de tallas en piedra, de las que sobreviven veinticinco. El Desnudo de pie es la mayor de las esculturas de piedra de Modigliani y mide 64,09 pulgadas (162,8 cm) de altura. Esta es la única escultura independiente de cuerpo entero que se conserva. Es interesante notar que todas sus esculturas representaban la cabeza humana, con la excepción del Desnudo de pie c. 1912, Galería Nacional de Australia y Cariátide c. 1914, Museo de Arte Moderno (MOMA), Nueva York.

4. Fauvismo: el movimiento artístico de las “fieras salvajes”

Durante su estancia en París, Modigliani también participó activamente en el movimiento artístico fauvista. Las obras fauvistas se caracterizan por una pincelada enérgica y colores ricos como medio para transmitir el estado emocional del artista. Los Fauves, que se traduce como «bestias salvajes», eran una colección de artistas franceses, los más famosos de los cuales fueron Henri Matisse y Albert Marquet.

Modigliani creó una amplia variedad de obras mientras vivía en el distrito Montparnasse de París. A principios del siglo XX, esta zona era el centro artístico e intelectual de París.

Durante su corta y turbulenta carrera creativa, Modigliani desarrolló un estilo distintivo y reconocible. Sus pinturas son bien conocidas por sus elegantes representaciones de mujeres con rasgos faciales repetitivos, incluidos cuellos y brazos alargados y curvos, y ojos vacíos en forma de almendra.

Durante este tiempo, Modigliani se hizo popular en París como Modi. La abreviatura se traduce del francés como «maldito». Sus contemporáneos continuaron llamándolo peintre maudit, que significa «artista maldito».

5. La fascinación de Modigliani por la forma humana

Modigliani dibujó y pintó la forma humana, con muy pocas excepciones. De 1916 a 1919 creó al menos 26 pinturas de mujeres desnudas. Fueron encargados por el escritor, poeta y marchante de arte polaco Leopold Zborowski, quien le proporcionó materiales de arte, modelos, un estipendio y un apartamento para trabajar.

Debido a que estas pinturas fueron creadas en series durante tres años con el fin de venderlas comercialmente, difieren de sus pinturas anteriores de amantes y amigos. A pesar de que Modigliani tomó prestado de otros artistas más influyentes, algunos consideran ahora que estos desnudos pintados son radicales y revolucionarios en la cultura artística de la época.

Algunos creen que pueden haber cambiado la dirección de la representación de las mujeres en el arte. Sin embargo, los avances de las mujeres en su poder social se debieron a las presiones de la Guerra Mundial. Este fue un estímulo más probable para el desarrollo de las mujeres y su evidente confianza en sí mismas, evidente en retratos y desnudos. Modigliani representó a mujeres en poses seductoras y seguras, en contraste con la timidez expresada en las obras de muchos pintores de la época.

Su profusión de retratos y desnudos de mujeres habría contribuido en gran medida a su reputación de playboy salvaje, que no hizo ningún intento de cambiar.

6. Censura de la desnudez

En 1917, tuvo lugar el estreno de la “famosa” exposición individual de Modigliani en la Galería Bertha Weil. Un gran grupo de personas se reunió afuera para mirar la figura desnuda que colgaba de la ventana. Esto atrajo a la policía, que cerró la única exposición individual de su vida por obscenidad.

La desnudez se consideraba escandalosa e indecente, ya que una representación tan explícita del vello púbico como la que hacía era inaceptable en el mundo del arte parisino de la época. Sin embargo, estos desnudos modernizaron la forma femenina pintada en un momento en que las exigencias de la guerra obligaban a las mujeres a exigir mayor independencia y fuerza. El modelaje era un trabajo lucrativo para los artistas, por lo que a artistas como Modigliani no les faltaban mujeres atractivas para pintar.

La mayoría de los desnudos de la colección, establecida entre 1916 y 1919, se encuentran ahora en el Museo Solomon R. Guggenheim, el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, el Museo Long de Shanghai y el Courtauld. Galería en Londres.

7. Amante de los poetas y escritores

Modigliani era conocido por leer regularmente a Dante y otros poetas famosos. Entre los escritores y poetas que escribió se encuentran Jean Cocteau, Beatrice Hastings, Blaise Cendrars y Guillaume Apollinaire. En 1914-1916 Modigliani y Beatrice Hastings vivían en el mismo apartamento en Montparnasse. Tuvieron un romance vertiginoso y durante los dos años que vivieron juntos, él pintó su retrato 14 veces. Juntos vivieron una vida extraordinariamente creativa mientras la guerra hacía estragos a su alrededor. A veces, comiendo en cantinas, como muchos otros creativos, artistas y escritores hambrientos.

8. Tragedia monumental

Mientras vivía y trabajaba en Le Bateau-Lavoir, Modigliani conoció a la estudiante Jeanne Hebuterne, quien más tarde se convirtió en su amante, esposa de hecho y musa. Ella era el tema principal de sus creaciones.

Aunque el círculo social de Modigliani y Hébuterne se amplió para incluir a Pierre-Auguste Renoir, Pablo Picasso y André Derain, abandonaron París para escapar de la guerra. Mientras vivía en Niza, donde Hebuterne dio a luz a su hija Jeanne Modigliani (1918-1984). Al regresar a París en 1919, Jeanne quedó embarazada de su segundo hijo y se comprometieron. Cuando Hebuterne, de 21 años, estaba embarazada de ocho meses, Modigliani enfermó gravemente de meningitis tuberculosa y murió el 24 de enero de 1920.

Al día siguiente, llevaron a Hebuterne a la casa de su familia, pero estaba tan desconsolada que saltó por la ventana del quinto piso. El feto murió con ella. Su hija Zhanna tenía sólo 14 meses.

Al funeral asistieron muchos representantes de los círculos creativos de Montparnasse y Montmartre. Modigliani y Hebuterne fueron enterrados por separado hasta que su familia permitió que su cuerpo fuera trasladado a la misma tumba y lápida en 1930. Su epitafio dice: «Golpeado por la muerte en un momento de gloria». Dice: “Un camarada entregado al máximo sacrificio”, Fundación Modigliani.

9. Máscara mortuoria

Poco después de su muerte, los contemporáneos de Modigliani, Moise Kisling, Conrad Morican y Jacques Lipchitz, tomaron doce moldes de yeso y produjeron la máscara mortuoria de bronce de Modigliani. La máscara representa la última imagen memorable de un artista que se enamoró tan completamente del hedonismo y la bohemia parisinos de principios del siglo XX que le llevaron al final de su carrera y a una muerte prematura. Pero lo que nos queda es un conjunto de obras que de alguna manera cambiaron los mundos del arte y la moda, y una historia de vida que es tan trágica como fascinante.

10. Nu Couché vendido en subasta por 170,4 millones de dólares

Durante su vida, Modigliani fue poco conocido fuera de París. En el siglo transcurrido desde su muerte, sus retratos y desnudos se han situado entre las pinturas más significativas del siglo XX.

En 2015, Nu Couché – sur le côté gauche (Desnudo reclinado) de Modigliani se vendió por nueve cifras en Christie’s Nueva York, convirtiéndose en uno de los más caros jamás vendidos en una subasta. Con las ventas de sus pinturas en los titulares de todo el mundo, Modigliani se ha convertido sin duda en uno de los mayores maestros del mundo del arte. Desnudo Couchet es la pintura más grande que jamás haya creado y fue uno de los desnudos censurados en su abortada exposición de París de 1917.

Modigliani prácticamente no logró vender sus obras de arte durante su vida y murió casi sin un centavo. Sus pinturas, dibujos y esculturas se encuentran ahora en respetadas colecciones de museos de todo el mundo y adornan las paredes de los superricos. A medida que sus obras de arte cambian de manos, el martillo de la subasta cae sobre los precios cada vez mayores y el valor cada vez mayor de las obras «brillantes» de Amedeo Modigliani.